The Artist: El metalenguaje

Es cierto, que como la mayoría ya sabe, "El Artista" de Michel Hazanavicius fue nominada a los premios Oscar y de hecho ganó varios premios incluyendo: mejor actor Jean Dujardin y mejor película. Mi intención hoy es, simplemente confirmar que tiene bien ganado el Oscar en ambas categorías. Aunque, no puedo dejar de mencionar que "La invención de Hugo Cabret", de Scorsese no se queda atrás. Si bien pueden tener ambos filmes muchas diferencias, ambas coinciden en un detalle muy especial. Estas obras hablan del cine, recuerdan el cine y le rinden homenaje. 

Retomando al filme, ganador de este año por la Academia norteamericana, El Artista, es un bello metalenguaje. Es una película que muestra cine dentro del cine y habla ( o grita)  de  cine,  teniendo en cuenta que es una película muda y en un bello blanco y negro. 

Más de uno conoce el dicho que reza, "una imagen vale más que mil palabras" y es muy claro que el director Hazanavicius lo sabe y muy bien. Las imágenes narran sin necesidad de voces, las actuaciones de sus protagonistas son magnificas y merecedoras de aplausos. 

Más allá de su elegancia y al mismo tiempo simpleza, este filme es ideal para nostálgicos y amantes del cine, y por qué no, para aquellos, como yo, que han tenido un contacto especial con el cine silente. Y hablando de silencio, el filme con sus cien minutos de relato, nos recuerda a algunos y nos cuenta a otros, el cine mudo de los años veinte, el paso al cine sonoro e incluso la crisis que pasaron algunos al rechazarlo, así como el personaje de George Valentin ( Dujardin) se niega a aceptar y ser parte del cine sonoro, el mismo Chaplin también lo hizo en su momento. 

Otro detalle que me parece relevante mencionar, ya que no es casual que un Martin Scorsese o Michel Hazanavicius le rindan homenaje al cine, sino que de alguna manera se despiden del cine filmico. Por eso, no me parece gratuito mencionar que, así como Valentin un actor admirado del cine silente en El Artista, le abre camino a la joven Peppy Miller (Berenice Bejo) el cine filmico le está cediendo el paso al cine digital. 

Scorsese familiar

El día que se estrenaba el último filme de Martin Scorsese, me sorprendió la idea de que fuera para toda la familia. Incluso la sala de cine estaba llena de niños, teniendo en cuenta de que están de vacaciones; pero aún así tuve que acercarme al afiche y leer su nombre una vez más porque no lo podía creer. ¿Scorsese familiar? ¿Se estará poniendo viejo? me pregunté. 

Mientras ingresaba a la sala me entregaron los lentes de 3D. Definitivamente, algo estaba pasando.

 Empezó la película. Qué les puedo decir. Si supieran lo que me emocioné, mientras otros reían. Sencillo:  El filme La invención de Hugo Cabret, no es solo una historia emotiva, apta para todo público con algunas escenas graciosas, es más que todo eso, es un homenaje a los pioneros del cine y especialmente al padre del cine de ficción. Así es, estoy hablando del ilusionista Georges Méliès. Volver a ver Viaje a a Luna, que mientras algunos niños de la sala reían al ver ese famoso cohete estacionarse en el ojo de la Luna, yo me emocionaba y recordaba mis primeros años de facultad, viendo una y otra vez los cortos de Méliès y los Hnos Lumiére  que también aparecen en esta película familiar creada por Scorsese.

Yo, ignoro cuántos en la sala esa noche se emocionaron como yo, seguramente alguno lo hizo, tal vez no por los mismos motivos que yo, que hasta mientras estaba atenta a la película pensaba: "ojalá mis alumnos si ven este filme recuerden todo los que les conté y enseñé sobre los inicios del cine". Seguramente, hubo otros espectadores esa misma noche que, se emocionaron con la historia del personaje Hugo o con la historia de ese personaje mayor al cual Hugo le roba determinados objetos para reparar a su muñeco autómata; que de a poco uno con cierto conocimiento previo va descubriendo que ese señor mayor, vendedor de juguetes, es el mismo Georges Méliès.

Gracias Scorsese por  este homenaje a los pioneros del cine y en especial a Méliès que a diferencia de los Lumiére, que si bien asombraron al mundo con su invento y con esa locomotora que parecía salirse de la pantalla, este mago francés fue quien dio nacimiento al cine de ficción. Ese cine,  que la mayoría elegimos para disfrutar en la sala de ensueños. 

J. Edgar... ¿Qué se esconde detrás de un hombre poderoso?

Cuando yo era muy pequeña, las personas mayores solían usar la siguiente frase: " ahh es una película hablada" o  " es una película contada". Alguna de estas frases, usaban los grandes  para referirse a los filmes que utilizaban la técnica del flashback ( recurso utilizado por el cine para llevar las acciones a tiempos pasados, por lo general, por medio de recuerdos del personaje).
El flashback es algo recurrente, y muy bien usado, en el nuevo filme del legendario Clint Eastwood. Así es, estoy hablando de "J. Edgar" protagonizada por un excelente Leonardo DiCaprio, en el papel de John Edgar Hoover, quien fuera el primer Director y líder del FBI desde su creación en la década del veinte, hasta su fallecimiento en 1972.
Para sorpresa de las jóvenes, se encontrarán con un Hoover mayor y muy bien interpretado por  DiCaprio. Este personaje a lo largo del relato,que supera las dos horas, irá contando su propia historia al mismo tiempo que se conoce la del FBI.
A medida que avanza la narración, iremos conociendo cuánto valor tiene el famoso dicho "la información es poder", al igual que la relación que mantiene J. Edgar con su colega más cercano, Clyde Tolson. Además, nos quedará la duda de por qué razón su secretaria personal, la señorita Helen Gandy,  le es fiel incluso hasta el final.
Tampoco podemos olvidar, la interpretación de Judi Dench en el papel de la madre de Hoover, una madre que dejará huellas difíciles de borrar en la vida de su hijo, incluso después de su muerte.

La ayuda

La década del sesenta, pasó hace tiempo y no tanto. Al ver el filme de Tate Taylor, "The Help" o "Criadas y señoras" como se conoce comercialmente en nuestros cines; pensé en cómo muchas veces o la mayoría de las veces, los mandatos sociales y ciertas leyes (algunas injustas y ridículas dejenme decir) pueden influír  tanto en los estilos de vida y comportamientos humanos. 

Las leyes raciales de esos tiempos de verdad que eran estúpidas pero eran leyes y más de uno las cumplía. Pero así fue. Y eso que sólo hablamos de los ´60, ya que podríamos ir hasta la Santa Inquisición y la lista se haría interminable. 

Bien, retomemos nuestro filme "The Help", nombre que también lleva el libro que publica una de las protagonistas donde cuenta historias desde la perspectiva de las criadas negras que trabajan en casas de blancos, criadas que limpian casas, hacen las compras y como si fuese poco, por veinte años, educan a los hijos de las damas blancas y,  una vez crecidos y educados estos niños, se vuelven sus jefes. 

Recordando los mandatos sociales, la joven escritora que vuelve a Mississippi luego de graduarse de la Universidad, es soltera y no usa vestidos elegantes o el cabello batido como las amigas y vecinas que dejo en su barrio; y claro que esto es algo que debe cambiar para su madre y  el resto de las mujeres.  Tanto pesa el mandato del matrimonio, por ejemplo que cuando una de las jóvenes, perteneciente de un grupo social, quedaba embarazada las demás mujeres se veían en la obligación de tener también hijos de manera inmediata. 

Y tanto más peso tenían esas leyes raciales, que cuando una criada se atreve a usar el baño de su jefa no sólo es despedida después de años de servicio sino que es acusada de ladrona con las demás damas de la sociedad ,cosa de robarle la oportunidad de conseguir empleo en otra casa. Estas son algunas de las pequeñas historias que la joven escritora con ayuda de una, primero, y luego un grupo de criadas va redactando en su libro, por  supuesto libro muy escandaloso para la esta sociedad de damas blancas. 

El filme de Taylor, cuenta con dos horas de relato, esto y mucho más.

Es muy posible que todos en algún momento cometamos actos de discriminación; pero luego de ver la película "Criadas y señoras" es posible que tengamos más cuidado. Que la disfruten.

Un momento congelado en el tiempo

Si un árbol  cae en medio de un bosque y nadie lo escucha. ¿Ese árbol existe? Algunos dirán que sí, otros dirán que no; y así podría ser eterna la discusión. La cuestión aquí es, que yo hasta ayer desconocía la existencia de las cuevas de Chauvet ubicadas en el sur de Francia. 

Reconozco que no soy amante de los documentales, pero no puedo negar que el cine nació siendo documental aunque más de uno lo haya olvidado. A pesar de no gustar de ver documentales, bajo la insistencia de que lo viera, lo hice. 

"La cueva de los sueños olvidados", de Werner Herzog es el documental del cual hablo. Lo disfruté en 3D y la verdad debo decir que de una calidad excelente; por hora y media sentí estar dentro de las cuevas (entre nosotros, yo creo que con quince minutos menos sería perfecto) Cosa que no me había sucedido viendo cine de ficción con actores, quiero decir que salvo en cine de animación no he apreciado bien el cine en tercera dimensión. Con el filme de Herzog por momentos parecía que las hojas de los árboles te rozan de cerca, los científicos parecían fantasmas que salían de las butacas para ingresar a la pantalla. Muy bueno.

Herzog logra capturar imágenes de las más antiguas creaciones pictóricas de la humanidad en su entorno natural. Uno puede apreciar dibujos de animales en las paredes de las cuevas,  manos impresas con pintura roja en rocas, seguir huellas de osos y claro sin dejar de lado  el trabajo científico de los arqueólogos.

El documental es excelente,y si conoces algún profesor de historia o de geografía no dudes en recomendarlo. "La cueva de los sueños olvidados" nos permite ser testigos de un momento congelado en el tiempo. De alguna manera, hacemos  un viaje a la prehistoria.

Yo, no tenía ganas de ver el documental y salí muy contenta de la sala. Ojalá ustedes  también.

Algo de ciudad y metáfora más Borges

En el día de ayer, sin tener intención alguna resultó que el arte me encontró a mi. Curioso ¿cierto? Sin embargo, es la verdad yo no buscaba nada en especial, y sin darme cuenta mientras miraba vidrieras terminé en la muestra de pintura y dibujo del Centro Cultural Borges. 
El primer encuentro fue con la obra del argentino Omar Panosetti, la mayoría son dibujos  realizados en tinta, acrílico y esmalte sintético, en varias obras el blanco y el negro están usados como colores. El tema de sus obras es la ciudad, no por nada Luis Felipe Noé, en el prólogo de la exposición aclara que el título que pensó para la misma fue "La ciudad como metáfora". Hay obras de diferentes tamaños; pero el dato anecdótico es que, algunos de los dibujos estaban  realizado en hojas de dibujo, pero esas que uno usaba en el colegio incluso en algunas  se pueden apreciar  los ojales de las hojas como si estas hubiesen sido arrancadas luego de dibujarlas. Es una exposición sencilla pero con mucho concepto, mucha metáfora en términos de Noé. 
Eso sí, si sos de esas personas que al ver una obra tiene  pensamientos como "mi hermana de seis años pinta igual o mejor" te diría que sigas mirando vidrieras, ya que lo importante es el concepto, el mensaje, la metáfora  y eso una niña de seis años no lo puede manifestar y esta no es una diferencia menor. 
Luego si te gusta la fotografía y además,  sos de los que adoran la literatura de Jorge Luis Borges o la detestan (hay que reconocer que Borges ha logrado generar esas pasiones y es lo más interesante de este autor) podes disfrutar de la exposición de Amanda Ortega presentando "Borges Intimo". Hay varias series,  en algunas se puede ver al autor argentino caminando por Florida del brazo de María Kodama muy joven;  también se pueden leer versos muy interesantes entre las fotografías en blanco y negro. 
Sólo vos podes saber si esta oferta, del Centro Cultural Borges, es ideal o no para estas tardes de calor. 

A quién llamar¿as

Ayer por la noche fui al Gaumont, o mejor dicho al Espacio Incaa, aún no me acostumbro a llamarlo así (sepan disculparme) Fui a ver el filme de Martín Viaggio, "A quién llamarías". 

Mientras estaba sentada en la sala, esperando a que la función iniciará, pensé en la pregunta que como toda pregunta pretende una respuesta. Leí el documento de mano, más conocido como el programa, presté atención a la situación que se planteaba en el mismo y sí, yo también pensé "a quién llamaría". Mientras pensaba en una respuesta y seguía esperando a que la película empezará, se me presentó la otra pregunta, la que uno al menos yo estoy más acostumbrada a oír, seguramente ustedes también, esa pregunta es: ¿cuál fue tu momento más feliz? y recordé que por lo general las mujeres que son madres responden de manera estereotipada "el nacimiento de mis hijos" pero por lo general nadie te pregunta a quién llamarías si te llevan preso o si tenes un accidente en la calle. Desde el título la película ya me hizo reflexionar a nivel personal.

Empezó la película. Su duración es corta, dura una hora y cuarto, lo cual para mi eso es ideal. Eso sí, aviso, tiene muchos fundidos (ensambladura entre  dos tomas consistente en el oscurecimiento progresivo de la imagen hasta el negro total) lo cual de alguna manera si bien a mi un poco me cansaron reconozco le dan cierto dinamismo a la película, porque es algo lenta si se presta atención. 

Durante la narración queda claro que el conflicto son esos vínculos que la mayoría del tiempo uno cree que están unidos y no es tan así. El protagonista presenta un análisis y una reflexión acerca de esas relaciones cada vez que enciende un cigarrillo.  La mayoría del tiempo parece comportarse como si "no tuviera filtro", es decir, dice y hace en el momento en que siente las cosas, claro a veces el otro no está preparado para tanta sinceridad y eso, también es algo con lo que hay que aprender a convivir. 

Si vos también te estás tratando de responder "a quién llamarías" en medio de un accidente, de una crisis emocional o por qué no, simplemente de compartir algo, mientras encontrás la respuesta ideal el filme de Viaggio con actuación de Roberto Birindelli, es una buena opción para descubrirlo.